Superando los límites: Un puente entre videojuegos y música clásica

Starfield es uno de los videojuegos más esperados de la historia reciente. El juego, que se lanzó el 6 de septiembre pasado, permite a los jugadores construir su propio personaje y nave espacial, viajar a cualquiera de los mil o más planetas y seguir múltiples arcos argumentales.

La banda sonora es igualmente épica, y el director de audio Mark Lampert describe la música del mismo como un “compañero del jugador”, con un “sentido de escala” que “tuvo que ser totalmente reajustado”, en una entrevista reciente sobre el diseño de sonido de Starfield.

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Las bandas sonoras del espacio exterior han aparecido en muchas películas: Star Wars, 2001: A Space Odyssey e Interstellar, por nombrar algunas.

Pero la música interactiva de Starfield hace algo diferente: utilizando una paleta de lenguaje musical que cultiva un paisaje sonoro contemplativo, lanza al oyente a la inmensidad del espacio sin dejar de ser curioso, inocente y comedido. Si cierras los ojos, podrás imaginarlo interpretado en la sala de conciertos.

Y eso es exactamente lo que sucedió antes del lanzamiento del juego, cuando la Orquesta Sinfónica de Londres interpretó la “Starfield Suite” ante un público con entradas agotadas en el Alexandra Palace Theatre, una de las salas de conciertos más prestigiosas del mundo.

Como director, músico y educador, me entusiasman juegos como este, porque atraen a la gente a la música sinfónica como nunca antes.

La música clásica se vuelve exclusiva

Antes de la tecnología de grabación, la única forma de escuchar música era experimentarla en vivo. A lo largo de la historia temprana, la música funcionó como parte integral de la vida cultural: se tocaba en festivales, acompañaba los servicios religiosos e incluso servía como medio de comunicación.

Durante la época del Renacimiento, entre mediados del siglo XV y XVI, hubo un cambio de la música como función a la música como arte y entretenimiento.

Pronto, la música vocal e instrumental en vivo se convirtió en una forma de entretenimiento popular y la gente clamaba por sonidos mejores y más grandes. En el siglo XVI, la unión entre arte, teatro y música se consumó en la ópera. Durante los siglos XVII y XVIII, los instrumentos continuaron evolucionando, se construyeron grandes salas de conciertos y teatros de ópera, y los compositores exploraron nuevas ideas que traspasaron los límites.

Nació lo que hoy se conoce como “música sinfónica”: música interpretada por una orquesta sinfónica. Una sinfonía no es sólo un gran grupo de músicos, sino también una pieza musical escrita por un compositor que contiene múltiples movimientos.

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Para escuchar una interpretación de la Quinta Sinfonía de Beethoven, había que presenciar cómo la tocaba una orquesta sinfónica, y las multitudes clamaban por entrar a las salas de conciertos para escuchar las obras de los compositores más nuevos y aclamados.

Sin embargo, durante el siglo XVIII y principios del XIX, se clasificó un conjunto de reglas sociales en torno a esta música: cómo escuchar, qué ponerse, dónde sentarse y cuándo aplaudir. A medida que los gustos y las tecnologías comenzaron a cambiar a finales del siglo XIX, las masas se sintieron atraídas por nuevas formas de música como el jazz. Mientras tanto, las salas de conciertos se convirtieron en el ámbito de la alta cultura, el alto arte y la alta sociedad.

Surgió una clara división entre la música popular y lo que se conoció como música “clásica”. Esa división todavía existe hoy.

Muchos argumentan que el mundo de la música clásica ya no es accesible para la mayoría de la gente: se considera demasiado intimidante y aburrido, con obras demasiado largas y entradas demasiado caras. Mientras tanto, las orquestas sinfónicas de todo el mundo luchan por diversificar su música y sus rangos dentro de una tradición y cultura que durante mucho tiempo estuvo reservada para los blancos, los ricos y los más educados.

Dado que las sinfónicas trabajan para ser más inclusivas en su educación musical y en su oferta de programas, veo los videojuegos como una forma clave de cerrar esta brecha.

Superando los límites

La creciente complejidad de los videojuegos significa que los compositores una vez más están superando los límites a través de paletas de sonido ampliadas. Al igual que “Starfield”, muchos títulos de juegos modernos incorporan la música sinfónica necesaria para proporcionar la base emocional y atmosférica de la experiencia del juego.

A medida que la industria del juego continúa expandiéndose, las bandas sonoras de los videojuegos se han vuelto cada vez más populares. Cuando se lanza un juego, las plataformas de transmisión de música lanzan habitualmente una banda sonora que lo acompaña.

Es posible que el mundo de la música clásica y las orquestas sinfónicas finalmente se estén poniendo de moda.

Hoy en día, hay una serie de series de conciertos sinfónicos (GameOn!, Game Concerts, Distant Worlds y VGL) que presentan música de videojuegos en vivo interpretada por las mejores orquestas.

J. Aarón Hardwick* | El Sol de México

* Director de orquesta y profesor asistente de música, Universidad Wake Forest.

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